마비_reflection
김시하 (미술인)
양인희의 <마비> 작품은 심리적 층위 안에 있는 복잡다단한 사이의 지점, 교차점, 무엇과 무엇의 경계를 흐리는 지점 안에서의 표현이란 점에서 작품의 화두인 ‘마비’를 표현한 것으로 보여진다. 작가에게 마비는 마비가 일어난 후의 지점이 아니라, 마비가 되는 그 순간 찰나, 교차점이다. 그러니 마비라는 용어의 지극히 작가 주관적 해석인 셈이다. 이는 자신의 몸을 감싼 신체의 기이한 특징과 혼돈 그 자체, 그리고 그렇게 정신과 몸의 착란 비슷하게 넘어서는 자아를 표현하는 것으로 내가 보는 작가는 항상 나와 다른 사람의 아름다움이라 일컬어지는 보기 좋음이아닌 기이하고 괴상한, 분명 같은 몸인 데도 이상하리 만치 아름다움과 추함을 넘어서는 형태에 매혹되어 온, 오랜 바라봄 끝에 내면 깊이 자리하게 된 모호함이다.
이는 구체적 형상이 아닌 유기체적 형상으로 다가오는데, 이는 아직 여물지 않은 작가의 세부구조와 디테일의 부족으로 치부될 수 있으나, 그렇다 기보단 개념적 층위로의 확산이 아닌 이와 같은 화두에 대한 개인적 서사의 단계 지점에 서 있는 작가의 시선 때문이다.
그런 그 시선은 어디에서부터 온 것일까, 내가 보는 양인희 라는 작가는, 내면에 다이내믹한 악기 같은 다양한 감성을 지니고 있는 작가다. 하지만 그에 비해 그녀를 덮어쓴 육체는 그녀에게 그 자유를 허락하지 않는다. 바로 이 점 때문에 지나 치다 할 만큼, 자기 통제력을 가지고, 자신을 규격화 하며, 규칙을 세우고, 지키고, 통제를 가한다. 그런 통제력은 작품에서도 드러나 마치 한 겹 을 씌운 듯한 묘한 긴장감과 불쾌감을준다. 시원한 색감과, 필체와는 대조적으로 드러나는 긴장, 결국 그녀의 몸에게 그녀의 정신은 언제나 가혹했다. 때문에 내 눈에 보이는 작품은 안정과 평온한 감성이 아닌 수면 위의 잔잔함, 표출 직전의 고요함 같은 다 드러내지 않은 마치 마비 전 후 사이에 존재하는 듯한 그런 교차로, 교집합에 가깝다.
본 전시<reflection/反像>에서는 이 마비의 단계에서 한 걸음 더 나아간 것일까. 형상은 조금 더 구체화되면서 개인적 서사에서 조금은 더 주변과사회를 조심스럽게 관찰하기 시작한 시선이 느껴진다. 이 관찰은 전에는 자신의 시각으로만 밖을 바라보았다면 거꾸로 밖의 시각으로 자신을바라볼 수 있게 되었다는 것과 같다. 그런 의미에서 이번 전시를 전체를 관통하는 주제어는 작가의 작품을 표현하기에 가장 적절한 선택이 아닐 수 없다. 이런 관찰의 시작으로 드디어 작가는 자신을 가두고 있던 틀에서 벗어나 자신과 사회를 구분 짓던 그 경계선에 도달해 유영할 줄아는 법을 터득해 가고 있다고 보여진다.
작업실에서의 작가는 각종 이미지를 조합하고 연구하고 들여다보고, 깊은 통찰력으로 이미지에 다가서려고 하는 이성적인 연구자의 모습이다. 하지만, 더불어 감성적이고 즉흥적이거나, 자기 주관으로만 사물과 이미지 주변을 해석하는 감성적인 모습도 공존한다. 작가노트에서 보여지듯 마비나 reflection 과 같은 단순하지 않은 화두들을 지극히 감성적으로 접근하지만 이는 자신의 정신과 몸의 불균형, 자체에 대한 공존의 모순을 설명하는 용어들로 느껴 지기도 한다. 구체적인 내러티브 혹은 개념적 해석, 드러나는 강함이 없어도 그녀의 작품이 설득력을 가지는 지점은 바로 이 부분이다.
그녀 작품 안에는 허구 란 존재하지 않는다. 그녀가 받아들이는 완전한 오로지 진실, 사실이 존재하는 셈인데, 그 사실은 어느 한 쪽에 치우치지 않은 통제라 부르는 지극히 균형을 유지한 회화 란 점에서 차별성을 가진다 할 수 있다.
그런 의미에서 작품 전반에서 보여지는 회색은 작가의 삶의 전반을 관통하는 강제적 의지와 자율적의지 사이에 존재하는 ‘감각의 상실’로 읽을 수 있다. 이는 분명 앞서 애기한 바와 같이 개인의 서사의 단계에 서 있지만 작가는 결코 녹녹지 않은 작업과정과 고민을 자기통제와 다각도의 실험을 오랜 기간 공들여 작업화 하는 성실함을 지닌 흔치 않은 작가다. 그렇기에 나는 양인희의 작품에서 평온함 대신 들끓는 내면의울림, 그리고 형태 자체를 해체하고 모호함 자체를 구체적이거나 단순하게 치부하지 않으려는 노력의 흔적을 발견한다. 여백과 무표정한 색채, 기이한 불안과 긴장은 오히려 통제 안에서 역설적인 평온함을 가지기에, 이 후 전개될 작가의 작품이 더욱 기대된다.
paralyze_reflection
Siha Kim (Artist)
The works in Yang, Inhee’s first solo exhibition “mabi_麻痹” (Beijing, China, 2012) show blurred, intersecting points of intricate space within psychological layers, expressing the subject of works, “paralysis (mabi in Korean).” For the artist, paralysis is the very moment of intersection when paralysis occurs, not the point after paralysis takes place. In this sense, the term “paralysis” is the artist’s very subjective interpretation. This is an expression of the bizarre feature and confusion itself of the body enfolding the artist as well as the ego going through the derangement of the body and mind. The artist does not show the good appearance referred to as “beauty” belonging to someone that is not what she is. Rather, fascinated with a form of the same body going beyond beauty and ugliness, she expresses the ambiguity deeply situated in the inner side after the body has been watched over many years.
Her works come as no concrete but organic figures, which might be considered as the artist’s lack of detailed structure and details. However, this arises from the artist’s eyes turned upon the stage of personal description of this subject, not diffusion into conceptual layers. Where do such eyes come from? As far as I know, Yang has diverse sensitivity like dynamic musical instruments in her inner side. However, the physical body that covers her does not allow her freedom. This is the reason why she excessively controls, pushes, and standardizes herself, setting and following rules. Such self-control appears in her works, conveying queer tension and displeasure that seem to be covered with a layer—the tension emerging in opposition to the cool colors and writing. After all, her mind has always been harsh on her body.
Accordingly, I see her works as the still and quiet surface of water that is about to erupt, not as stable and calm sensibility. They are like the intersection that seems to exist before and after paralysis and is not exposed completely.
This exhibition “reflection” seems to be a step forward from the paralysis stage. With figures a little more concretized, the artist turns her eyes from personal epic toward her surroundings and society and starts to observe them cautiously. This observation means the artist can see herself from the viewpoint of the outside world, compared to the past when she saw the outside from her own perspective. In this context, the subject word for this exhibition is the most appropriate choice to express Yang’s works. Beginning with such observation, the artist is thought to depart from a pattern that has confined her, reach the boundary separating her from society, and learn how to navigate.
The artist working in her studio is a rational researcher who combines and studies various images and tries to approach them with deep insight. On the other hand, she also shows emotional aspects by being sensitive and extemporaneous and interpreting the surrounding objects and images only through her own eyes. As seen in the artist’s note, the artist approaches the complicated subjects such as paralysis and reflection very emotionally, which can be found terms that describe the imbalance of her body and mind and the contradiction of their coexistence. This is what makes her works persuasive despite the absence of a concrete narrative, conceptual interpretation, or external strength. There exists no fiction in her works. There exists only complete truth that she accepts, a fact. Her works are distinctive in that they are balanced paintings called control without partiality.
In this sense, the gray color shown throughout her works can be interpreted as the “loss of senses,” existing between compulsory will and autonomous will interacting throughout her life. Although standing at the stage of personal epic, Yang, Inhee is an uncommonly sincere artist who works with great effort for a long time through a challenging working process, self-control and diverse experiments. In her works, I see the echo of her seething inner side rather than peacefulness as well as the trace of her efforts to disassemble a form and not to regard ambiguity as concrete or simple. Empty space, colors lacking expression, odd anxiety, and tension have paradoxical tranquility under control, making me eager to see the artist’s future works.
麻痹_反像
金霞 (艺术家)
杨仁喜的首次个人作品展中的《mabi_麻痹 (中国北京, 2021)》作品是心理层面各种繁杂关系的支点、交叉点、界限模糊之处的一种表现,体现了作品的主体“麻痹”。对作家来说,麻痹不是事情发生之后的情景,而是出现麻痹的那瞬间刹那,那个交叉点。不过,麻痹这个词语说到底不过是作家的主观解释。包裹着自己的身体奇异特征及混沌本身,及超越精神和躯体的错位的自我表现,这些促使我认为,作家并不想她的作品被我及其他人称之为美丽或看起来好看,而是一种看起来奇特而古怪,分明是同样的身体却显得异常, 超越美与丑使人沉迷于 形态,看久了就会被抓住人心的模糊感。
它不是一个具体的形象,而更接近于一种有机体的形象,这可以看作是不成熟的作家在细部结构和细节方面的不足,因此作品与其说是概念层面的扩展,不如说是因为作家在这个主题的个人叙事阶段具有的眼光。
这种眼光来自何处,在我眼中,杨仁喜是一位内心充满活力,具有乐器般多种多样情感的作家。不过与内心相比,覆盖她的身体却并不允许她具有这种自由。正因为如此,她具有过分的自控力,对自身加以剖析及规范,树立规则进行自控。这种控制力体现在作品中,好像包了一层壳似的,给人以紧张感与不快感。明快的色彩和笔触通过对比体现出的紧张感,使得她的精神总是残酷地对待她的身体。
因此,我眼中的这个作品并不具有安定祥和的情感,而更接近如水面的平静、显露之前的宁静等未曾表现出的麻痹前后期间存在的交叉路、交集点。
在本次展示《reflection/反像》中,好像这个麻痹的阶段更进了一步。形象更为具体化,同时给人感觉作家在个人叙事时开始谨慎地观察周围和社会了。如果说以前只是从个人的角度出发观察外界,那么现在则与此相反,好像是以外界的角度观察自身。从这个意义来说,贯穿这次展示整体的主题词正是作家为表现作品做出的最佳选择。这种观察的角度最终使作家摆脱限制自身的框架,到达区分自身与社会的边界,从而体会到可以行进的方法。
在工作室中,作家组合、研究、仔细观察各种形象,是一个通过很强的洞察力接近形象的理性研究者。不过,在作家身上还同时存在着感性的、即兴的,根据自己主观意识解释周边事物和形象的感性的一面。
如作家在笔记中所说,麻痹或反射等并不单纯的主题虽然是一种感性的说明方式,但同时也是对自身精神与身体的不均衡、自身共存的矛盾进行说明的词语。即使没有具体的描述、概念性的解释及体现出的强大,使她的作品具有说服力的也 恰恰是这一部分。
她的作品中没有虚构的东西。她愿意接受的是完全真实,事实存在的,这种事实在不偏不倚 的控制下, 维持均衡的绘画中具有差别性。从这个意义来说,整个作品中的灰色可以看作是贯穿作家整个生命的强迫意志和自律意志中的“感觉的丧失”。
如上所述,虽然仍处于本人的叙事阶段,但作家是却经历了不平凡的作业过程和进行苦思冥想,自我控制及多角度的实验ᅳ具有长期努力工作的诚实感的不多见的作家。就这样,在杨仁喜的作品中,我看到的不是宁静而是充盈着内心的哭泣,发现了对形态进行解体、模糊化处理后,自身的具体化或不加遮掩的简化等努力的痕迹。空白处和没有表情的色彩,奇异的不安和紧张反而在可控的范围内带来与之相反的宁静,我将继续期待作家日后的作品。
마비_reflection
김시하 (미술인)
양인희의 <마비> 작품은 심리적 층위 안에 있는 복잡다단한 사이의 지점, 교차점, 무엇과 무엇의 경계를 흐리는 지점 안에서의 표현이란 점에서 작품의 화두인 ‘마비’를 표현한 것으로 보여진다. 작가에게 마비는 마비가 일어난 후의 지점이 아니라, 마비가 되는 그 순간 찰나, 교차점이다. 그러니 마비라는 용어의 지극히 작가 주관적 해석인 셈이다. 이는 자신의 몸을 감싼 신체의 기이한 특징과 혼돈 그 자체, 그리고 그렇게 정신과 몸의 착란 비슷하게 넘어서는 자아를 표현하는 것으로 내가 보는 작가는 항상 나와 다른 사람의 아름다움이라 일컬어지는 보기 좋음이아닌 기이하고 괴상한, 분명 같은 몸인 데도 이상하리 만치 아름다움과 추함을 넘어서는 형태에 매혹되어 온, 오랜 바라봄 끝에 내면 깊이 자리하게 된 모호함이다.
이는 구체적 형상이 아닌 유기체적 형상으로 다가오는데, 이는 아직 여물지 않은 작가의 세부구조와 디테일의 부족으로 치부될 수 있으나, 그렇다 기보단 개념적 층위로의 확산이 아닌 이와 같은 화두에 대한 개인적 서사의 단계 지점에 서 있는 작가의 시선 때문이다.
그런 그 시선은 어디에서부터 온 것일까, 내가 보는 양인희 라는 작가는, 내면에 다이내믹한 악기 같은 다양한 감성을 지니고 있는 작가다. 하지만 그에 비해 그녀를 덮어쓴 육체는 그녀에게 그 자유를 허락하지 않는다. 바로 이 점 때문에 지나 치다 할 만큼, 자기 통제력을 가지고, 자신을 규격화 하며, 규칙을 세우고, 지키고, 통제를 가한다. 그런 통제력은 작품에서도 드러나 마치 한 겹 을 씌운 듯한 묘한 긴장감과 불쾌감을준다. 시원한 색감과, 필체와는 대조적으로 드러나는 긴장, 결국 그녀의 몸에게 그녀의 정신은 언제나 가혹했다. 때문에 내 눈에 보이는 작품은 안정과 평온한 감성이 아닌 수면 위의 잔잔함, 표출 직전의 고요함 같은 다 드러내지 않은 마치 마비 전 후 사이에 존재하는 듯한 그런 교차로, 교집합에 가깝다.
본 전시<reflection/反像>에서는 이 마비의 단계에서 한 걸음 더 나아간 것일까. 형상은 조금 더 구체화되면서 개인적 서사에서 조금은 더 주변과사회를 조심스럽게 관찰하기 시작한 시선이 느껴진다. 이 관찰은 전에는 자신의 시각으로만 밖을 바라보았다면 거꾸로 밖의 시각으로 자신을바라볼 수 있게 되었다는 것과 같다. 그런 의미에서 이번 전시를 전체를 관통하는 주제어는 작가의 작품을 표현하기에 가장 적절한 선택이 아닐 수 없다. 이런 관찰의 시작으로 드디어 작가는 자신을 가두고 있던 틀에서 벗어나 자신과 사회를 구분 짓던 그 경계선에 도달해 유영할 줄아는 법을 터득해 가고 있다고 보여진다.
작업실에서의 작가는 각종 이미지를 조합하고 연구하고 들여다보고, 깊은 통찰력으로 이미지에 다가서려고 하는 이성적인 연구자의 모습이다. 하지만, 더불어 감성적이고 즉흥적이거나, 자기 주관으로만 사물과 이미지 주변을 해석하는 감성적인 모습도 공존한다. 작가노트에서 보여지듯 마비나 reflection 과 같은 단순하지 않은 화두들을 지극히 감성적으로 접근하지만 이는 자신의 정신과 몸의 불균형, 자체에 대한 공존의 모순을 설명하는 용어들로 느껴 지기도 한다. 구체적인 내러티브 혹은 개념적 해석, 드러나는 강함이 없어도 그녀의 작품이 설득력을 가지는 지점은 바로 이 부분이다.
그녀 작품 안에는 허구 란 존재하지 않는다. 그녀가 받아들이는 완전한 오로지 진실, 사실이 존재하는 셈인데, 그 사실은 어느 한 쪽에 치우치지 않은 통제라 부르는 지극히 균형을 유지한 회화 란 점에서 차별성을 가진다 할 수 있다.
그런 의미에서 작품 전반에서 보여지는 회색은 작가의 삶의 전반을 관통하는 강제적 의지와 자율적의지 사이에 존재하는 ‘감각의 상실’로 읽을 수 있다. 이는 분명 앞서 애기한 바와 같이 개인의 서사의 단계에 서 있지만 작가는 결코 녹녹지 않은 작업과정과 고민을 자기통제와 다각도의 실험을 오랜 기간 공들여 작업화 하는 성실함을 지닌 흔치 않은 작가다. 그렇기에 나는 양인희의 작품에서 평온함 대신 들끓는 내면의울림, 그리고 형태 자체를 해체하고 모호함 자체를 구체적이거나 단순하게 치부하지 않으려는 노력의 흔적을 발견한다. 여백과 무표정한 색채, 기이한 불안과 긴장은 오히려 통제 안에서 역설적인 평온함을 가지기에, 이 후 전개될 작가의 작품이 더욱 기대된다.
paralyze_reflection
Siha Kim (Artist)
The works in Yang, Inhee’s first solo exhibition “mabi_麻痹” (Beijing, China, 2012) show blurred, intersecting points of intricate space within psychological layers, expressing the subject of works, “paralysis (mabi in Korean).” For the artist, paralysis is the very moment of intersection when paralysis occurs, not the point after paralysis takes place. In this sense, the term “paralysis” is the artist’s very subjective interpretation. This is an expression of the bizarre feature and confusion itself of the body enfolding the artist as well as the ego going through the derangement of the body and mind. The artist does not show the good appearance referred to as “beauty” belonging to someone that is not what she is. Rather, fascinated with a form of the same body going beyond beauty and ugliness, she expresses the ambiguity deeply situated in the inner side after the body has been watched over many years.
Her works come as no concrete but organic figures, which might be considered as the artist’s lack of detailed structure and details. However, this arises from the artist’s eyes turned upon the stage of personal description of this subject, not diffusion into conceptual layers. Where do such eyes come from? As far as I know, Yang has diverse sensitivity like dynamic musical instruments in her inner side. However, the physical body that covers her does not allow her freedom. This is the reason why she excessively controls, pushes, and standardizes herself, setting and following rules. Such self-control appears in her works, conveying queer tension and displeasure that seem to be covered with a layer—the tension emerging in opposition to the cool colors and writing. After all, her mind has always been harsh on her body.
Accordingly, I see her works as the still and quiet surface of water that is about to erupt, not as stable and calm sensibility. They are like the intersection that seems to exist before and after paralysis and is not exposed completely.
This exhibition “reflection” seems to be a step forward from the paralysis stage. With figures a little more concretized, the artist turns her eyes from personal epic toward her surroundings and society and starts to observe them cautiously. This observation means the artist can see herself from the viewpoint of the outside world, compared to the past when she saw the outside from her own perspective. In this context, the subject word for this exhibition is the most appropriate choice to express Yang’s works. Beginning with such observation, the artist is thought to depart from a pattern that has confined her, reach the boundary separating her from society, and learn how to navigate.
The artist working in her studio is a rational researcher who combines and studies various images and tries to approach them with deep insight. On the other hand, she also shows emotional aspects by being sensitive and extemporaneous and interpreting the surrounding objects and images only through her own eyes. As seen in the artist’s note, the artist approaches the complicated subjects such as paralysis and reflection very emotionally, which can be found terms that describe the imbalance of her body and mind and the contradiction of their coexistence. This is what makes her works persuasive despite the absence of a concrete narrative, conceptual interpretation, or external strength. There exists no fiction in her works. There exists only complete truth that she accepts, a fact. Her works are distinctive in that they are balanced paintings called control without partiality.
In this sense, the gray color shown throughout her works can be interpreted as the “loss of senses,” existing between compulsory will and autonomous will interacting throughout her life. Although standing at the stage of personal epic, Yang, Inhee is an uncommonly sincere artist who works with great effort for a long time through a challenging working process, self-control and diverse experiments. In her works, I see the echo of her seething inner side rather than peacefulness as well as the trace of her efforts to disassemble a form and not to regard ambiguity as concrete or simple. Empty space, colors lacking expression, odd anxiety, and tension have paradoxical tranquility under control, making me eager to see the artist’s future works.
麻痹_反像
金霞 (艺术家)
杨仁喜的首次个人作品展中的《mabi_麻痹 (中国北京, 2021)》作品是心理层面各种繁杂关系的支点、交叉点、界限模糊之处的一种表现,体现了作品的主体“麻痹”。对作家来说,麻痹不是事情发生之后的情景,而是出现麻痹的那瞬间刹那,那个交叉点。不过,麻痹这个词语说到底不过是作家的主观解释。包裹着自己的身体奇异特征及混沌本身,及超越精神和躯体的错位的自我表现,这些促使我认为,作家并不想她的作品被我及其他人称之为美丽或看起来好看,而是一种看起来奇特而古怪,分明是同样的身体却显得异常, 超越美与丑使人沉迷于 形态,看久了就会被抓住人心的模糊感。
它不是一个具体的形象,而更接近于一种有机体的形象,这可以看作是不成熟的作家在细部结构和细节方面的不足,因此作品与其说是概念层面的扩展,不如说是因为作家在这个主题的个人叙事阶段具有的眼光。
这种眼光来自何处,在我眼中,杨仁喜是一位内心充满活力,具有乐器般多种多样情感的作家。不过与内心相比,覆盖她的身体却并不允许她具有这种自由。正因为如此,她具有过分的自控力,对自身加以剖析及规范,树立规则进行自控。这种控制力体现在作品中,好像包了一层壳似的,给人以紧张感与不快感。明快的色彩和笔触通过对比体现出的紧张感,使得她的精神总是残酷地对待她的身体。
因此,我眼中的这个作品并不具有安定祥和的情感,而更接近如水面的平静、显露之前的宁静等未曾表现出的麻痹前后期间存在的交叉路、交集点。
在本次展示《reflection/反像》中,好像这个麻痹的阶段更进了一步。形象更为具体化,同时给人感觉作家在个人叙事时开始谨慎地观察周围和社会了。如果说以前只是从个人的角度出发观察外界,那么现在则与此相反,好像是以外界的角度观察自身。从这个意义来说,贯穿这次展示整体的主题词正是作家为表现作品做出的最佳选择。这种观察的角度最终使作家摆脱限制自身的框架,到达区分自身与社会的边界,从而体会到可以行进的方法。
在工作室中,作家组合、研究、仔细观察各种形象,是一个通过很强的洞察力接近形象的理性研究者。不过,在作家身上还同时存在着感性的、即兴的,根据自己主观意识解释周边事物和形象的感性的一面。
如作家在笔记中所说,麻痹或反射等并不单纯的主题虽然是一种感性的说明方式,但同时也是对自身精神与身体的不均衡、自身共存的矛盾进行说明的词语。即使没有具体的描述、概念性的解释及体现出的强大,使她的作品具有说服力的也 恰恰是这一部分。
她的作品中没有虚构的东西。她愿意接受的是完全真实,事实存在的,这种事实在不偏不倚 的控制下, 维持均衡的绘画中具有差别性。从这个意义来说,整个作品中的灰色可以看作是贯穿作家整个生命的强迫意志和自律意志中的“感觉的丧失”。
如上所述,虽然仍处于本人的叙事阶段,但作家是却经历了不平凡的作业过程和进行苦思冥想,自我控制及多角度的实验ᅳ具有长期努力工作的诚实感的不多见的作家。就这样,在杨仁喜的作品中,我看到的不是宁静而是充盈着内心的哭泣,发现了对形态进行解体、模糊化处理后,自身的具体化或不加遮掩的简化等努力的痕迹。空白处和没有表情的色彩,奇异的不安和紧张反而在可控的范围内带来与之相反的宁静,我将继续期待作家日后的作品。